Directores de Sundance 2021: Conoce a Jane Schoenbrun – “Todos vamos a la feria mundial”


Jane Schoenbrun es una cineasta no binaria que co-creó la serie de variedades en gira “The Eyeslicer”, que se ha proyectado en cientos de lugares en todo el mundo, incluido el MoMA, el Festival de Cine de Tribeca y el teatro porno más antiguo de Kansas City. En 2018, crearon la Radical Film Fair, un mercado de pulgas de cine y un evento de tutoría que atrajo a miles de asistentes. Schoenbrun es el director del documental “A Self-Induced Hallucination”, productor de “Chained for Life” de Aaron Schimberg, un EP de la primera temporada de “Random Acts of Flyness” de Terence Nance, y creador del ómnibus “Dream Film” ” inconsciente colectivo.”

“Todos vamos a la feria mundial” se proyectará en el Festival de Cine de Sundance 2021, que se llevará a cabo en línea y en persona a través de Satellite Screens del 28 de enero al 3 de febrero.

W&H: Descríbanos la película con sus propias palabras.

JS: La película trata sobre una joven que experimenta con su identidad en Internet a través de su participación en un juego de terror en línea multijugador masivo.

W&H: ¿Qué le atrajo de esta historia?

JS: Quería hacer una película sobre crecer dentro del espacio liminal de Internet, y quería explorar preguntas sobre identidad, poder y autoría a través de la lente del género creepypasta.

W&H: ¿En qué quiere que la gente piense después de ver la película?

JS: Espero que la película mute en la memoria de todos de manera un poco diferente. Me esforcé por crear una película llena de imágenes, ideas y ambigüedades que espero que permanezcan en la mente de las personas de diferentes maneras a lo largo del tiempo.

También espero que la gente recuerde la película como un viaje extraño y hermoso que emprendieron, no tan diferente de un sueño que tuvieron. El cineasta Abbas Kiarostami dijo una vez que sus películas favoritas son “lo suficientemente amables como para permitirte una buena siesta”, ¡y me encanta este sentimiento!

W&H: ¿Cuál fue el mayor desafío al realizar la película?

JS: Soy trans, y todavía estoy bastante temprano en mi transición física. Debido a que pasé tantos años en un estado de represión y disforia, siempre he tenido un caso grave de síndrome del impostor y una sensación ambiental de vergüenza por mi propia expresión creativa. En muchos sentidos, hacer esta película y negarme a autocensurar mi expresión auténtica fue un impulso hacia la autoaceptación y un ataque consciente contra la represión.

W&H: ¿Cómo consiguió la financiación de su película?

JS: Nuestro principal patrocinador fue Dweck Productions, dirigido por una mujer llamada Hannah Dweck. Hannah y su socio comercial, Ted, se han convertido en mis amigos cercanos a través de la realización de esta película, y no puedo comenzar a expresar el apoyo que ambos han brindado. Su misión como empresa es apoyar a diversos cineastas con visiones distintivas que cuentan historias personales. Me permitieron tanta libertad y apoyo emocional en la realización de la película.

W&H: Comparta algunas ideas sobre cómo hizo la película.

JS: Tomé la decisión desde el primer día. Quería concebir una película que pudiera hacer con amigos y en mis propios términos. No quería sentirme en deuda con los donantes que no compartían mis objetivos, que querrían que tomara decisiones que entraran en conflicto con mi visión. Quería hacer algo personal, atrevido y completamente representativo de lo que soy como artista. Había visto lo suficiente a través de la experiencia previa en la industria para saber que, como cineasta primerizo, cuanto mayor era el presupuesto que intentaba asegurar, más difícil se volvería.

Una vez que tuve un guión del que estaba orgulloso, y una visión clara de cómo hacerlo, comencé a acercarme a amigos con los que quería colaborar. Las primeras personas con las que hablé fueron Flies Collective, una productora de Nueva York con la que había colaborado en otros proyectos en el pasado y que sabía que eran aliados en la lucha por hacer películas de arte honestas en Estados Unidos. Les pedí que fueran mis ángeles de la guarda y que me ayudaran a llevar el proyecto de un sueño a la realidad.

Luego, poco a poco comencé a armar un equipo: traje a Sarah Winshall y Carlos Zozaya, ambos maravillosos productores a quienes también realmente me gustan y en quienes confío como amigos. Le pregunté a Daniel Carbone de Flies Collective, un brillante cineasta y director de fotografía, si estaría dispuesto a ser director de fotografía de la película. Me acerqué a Abby Harri, a quien conocía desde hacía una década y que trabajaba como agente de casting callejero en muchas películas que amo, para que me ayudara a encontrar a nuestros actores principales. Traté de rodearme de personas creativas, sensibles, talentosas y apasionadas, personas con las que me sentía seguro. Mi regla más importante al formar parte de la tripulación fue no idiotas.

En cuanto al dinero, envié un correo electrónico a todos los que alguna vez habían sido amables conmigo preguntando si conocían a alguien que buscara financiar una función. Enviar estos correos electrónicos fue humillante, siempre lo es, y condujo a muchos callejones sin salida. Pero finalmente también me llevó a Dweck Productions, por lo que la humillación valió la pena.

En cuanto a la producción en sí, era la primera vez que dirigía y el primer largometraje de mi actriz principal Anna Cobb. Ella ofrece una actuación increíblemente cruda, comprometida y valiente en la película, y realmente quería cultivar una dinámica de confianza, positividad y creatividad abierta en el set para asegurarme de que ambos nos sintiéramos cómodos.

Trabajé duro para establecer un tono de calma y positividad durante la producción, donde cada día pudiera ser divertido y emocionante para todos en el set. Sabía que si tuviéramos un entorno de trabajo estresado o tóxico, todos sufriríamos y la película también sufriría. Crear esta energía saludable en el set es una de las cosas de las que estoy más orgulloso de la película, y es muy importante que los cineastas principiantes lo tengan en cuenta: ¡dirigir puede ser estresante!

W&H: ¿Qué te inspiró a convertirte en cineasta?

JS: Soy el tipo de persona que encuentra reconfortantes las canciones tristes. Lo que me impulsa a querer hacer películas es el deseo de crear algo honesto que pueda ser reconfortante para otros de manera similar.

W&H: ¿Cuál es el mejor y el peor consejo que ha recibido?

JS: Para esta película, el mejor consejo fue de mi asistente de dirección Willy. Antes de la producción, me dijo que si no estaba de acuerdo con alguien de mi equipo en una decisión artística o logística, lo más importante era explicar por qué no estaba de acuerdo, para que pudieran entender mi visión y el fundamento de lo que estaba haciendo. La comunicación clara también ayudó a mantener la moral alta.

Para muchos directores primerizos, el instinto es demoler – “Estoy a cargo y lo quiero de esta manera” – lo cual proviene de un lugar de inseguridad, en realidad, y escuchar ese consejo antes de la producción realmente se me quedó grabado como una lección importante a tener en cuenta.

El peor consejo para esta película fue que la película necesitaba más “muertes por minuto” para ser comercial.

W&H: ¿Qué consejo le daría a otros directores?

JS: No soy binario, y una cosa que es realmente importante para mí recordar como cineasta trans es que las películas que estoy haciendo, si son auténticas, probablemente difieran en muchos aspectos fundamentales de las de los cineastas cis. Sin embargo, vivimos en una estructura de poder masculina, cis, heterosexual y supremacista blanca, un subconjunto específico de la población que ha dominado los medios que estamos acostumbrados a consumir.

Entonces, si una película habla desde una mirada diferente a la que estos guardianes están acostumbrados (perspectiva diferente, conjunto de deseos, estructura narrativa, estética), podrían simplemente ver estas películas como “incorrectas” o como “insatisfactorias” de alguna manera.

Para mí, se necesita mucha fuerza para conquistar el síndrome del impostor que estos límites inculcan y para valorar mi propio arte auténtico fuera del sistema cis, heterosexual, masculino y supremacista blanco que domina este país. ¡Pero ese es el punto!

W&H: Nombra tu película favorita dirigida por mujeres y por qué.

JS: Creo que es “Old Joy” de Kelly Reichardt. Esa película adquiere tal poder de la moderación, de una manera que me asombra por completo.

W&H: ¿Cómo se está adaptando a la vida durante la pandemia de COVID-19? ¿Sigues siendo creativo y, de ser así, cómo?

JS: Tuvimos mucha suerte de terminar la producción justo antes de COVID-19. Desde que edité la película yo mismo, la postproducción me ha mantenido gloriosamente ocupado. Aunque lo confieso, como muchos de mis amigos, definitivamente he perdido una buena cantidad de días debido al avance fatal de Twitter.

W&H: La industria del cine tiene una larga historia de subrepresentación de personas de color en la pantalla y detrás de escena y de reforzar y crear estereotipos negativos. ¿Qué acciones cree que se deben tomar para que Hollywood y / o el mundo de la documentación sean más inclusivos?

JS: Mucha más gente de color debería dirigir compañías de producción, estar en posiciones de poder en agencias y festivales de cine y en juntas directivas, y tener más control sobre los canales de financiación y distribución de Hollywood y el mundo del documental.

Pero también, no sé si una estructura de poder supremacista blanca realmente puede reformarse a sí misma. Este es un sistema fundamentalmente roto, uno que nunca ha sido otra cosa que roto. Es un sistema que, en 2021, opera con una base tan enorme que, de manera realista, solo estará en deuda con las fuerzas frías del capital.

Creo que también es importante recordar que el cambio también puede provenir de fuera del ecosistema de Hollywood: la gente construye y apoya nuevas vías autónomas de financiamiento y distribución a nivel local y de base.

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