Mi historia: la cineasta Michelle Latimer sobre historias indígenas, sus nuevos proyectos y más


Fotografía de Hayden Wolf. Diseño de Danielle Campbell.

Bienvenido a My Story, nuestra serie semanal que defiende a los creativos de color y sus caminos hacia el éxito.

Para Michelle Latimer, quien solía trabajar en la taquilla de TIFF solo para poder obtener pases para ver películas durante el festival, 2020 ha sido un momento de círculo completo. Este año, el cineasta Métis / Algonquin estrenó dos proyectos en PELEA: un documental titulado Indio incómodoy series de televisión de CBC Embaucador.

“Al crecer, vi muy poca de mi experiencia representada con precisión en la pantalla, si es que la vi. Esa es parte de la razón por la que hago lo que hago ”, dice por teléfono.

Latimer creció en Thunder Bay, Ontario, y se mudó primero a Montreal para estudiar teatro en la Universidad de Concordia y luego a Toronto para seguir una carrera como actriz. Pero rápidamente comenzó a sentirse insatisfecha con las historias que estaba contando y anhelaba encontrar otras formas de tener un impacto. Cuando vio que el festival de cine ImagineNative estaba ofreciendo un programa de tutoría para cortometrajes, decidió dejar de lado la precaución y hacer una película propia.

“Simplemente cambió mi vida”, dice. “Recuerdo que un mentor me dijo ‘su comunidad está subrepresentada en los medios; tienes voz, no subestimes el impacto que podrías tener ‘”.

Eso fue en 2007, y ahora, más de una década después, Michelle Latimer todavía se mantiene fuerte. La alcanzamos para saber más sobre Embaucador, una serie de televisión sobrenatural basada en una novela superventas de Eden Robinson; su último documental Indio incómodo, que explora la colonización cultural de los pueblos indígenas en América del Norte; la necesidad de historias indígenas más contemporáneas en la pantalla, y más.

Lleva más de una década en la industria. ¿Cómo crees que han cambiado las cosas con el tiempo en términos de los tipos de historias indígenas que se cuentan?

Hemos visto a muchos más cineastas llegar al cine independiente a través de cosas como ImagineNative, donde comencé, pero todavía es difícil para esas voces cruzar al cine o la televisión convencional. Nuestro show Embaucador es la primera vez que la CBC ha dado luz verde a un programa adaptado de la novela de una mujer indígena y creado por pueblos indígenas. Creo que estamos cambiando lentamente [on-screen] representación, pero es después de cientos de años de tergiversación, desde los días de las películas del oeste de vaqueros hasta el tropo de terror con cementerios indios y misiones de visión de chamanes y esas cosas. Ese tipo de tergiversación es bastante perjudicial para una comunidad. Creo que los nativos a menudo son vistos y aceptados en los medios de comunicación establecidos en el pasado. Entonces, una abstracción segura de un nativo romántico a caballo, digamos. Pero rara vez se nos ve como individuos contemporáneos que se enfrentan a las luchas contemporáneas en un mundo moderno. Y creo que es muy importante ver una representación así. Porque el hecho es que no existimos en el pasado, existimos ahora y nuestras culturas son adaptables y flexibles, y necesitamos ver reflejos de eso.

Has descrito Embaucador como “horror gótico indígena”. Puedes profundizar sobre eso?

El programa es un cuento sobre la mayoría de edad, excepto que la diferencia es Jared [the main character] está teniendo visiones que cree que podrían ser el resultado de una enfermedad mental heredada que teme tener de su madre, o que simplemente está de fiesta demasiado y tiene que dejar la salsa. Pero rápidamente se da cuenta de que las visiones son en realidad el resultado de un legado. Para mí, esto es realmente una metáfora de las ideas en torno a la asimilación y las políticas de identidad. Jared es un joven indígena. No está particularmente politizado a pesar de que vive en una comunidad donde el mayor proyecto de infraestructura es un oleoducto. Solo está tratando de llegar a fin de mes y, de alguna manera, solo quiere ser “normal”, pasar desapercibido y encajar. Pero se da cuenta de que solo podrá avanzar positivamente en la vida cuando acepte a quien es y entiende de dónde viene, no es solo un niño homogeneizado, viene de un lugar realmente específico. Siento que es esta hermosa metáfora de los problemas relacionados con la asimilación y la colonización, y el género permite una forma accesible de abordar con ligereza algunos de estos problemas más profundos.

El espectáculo contiene elementos de realismo mágico y también se basa en el folclore de Haisla. ¿Puedes contarnos sobre eso?

Creo que la especificidad de la narración es realmente importante. Edén [Robinson] es Haisla-Heiltsuk y Jared también. En la tradición de Haisla, las historias de los tramposos generalmente se articulan en forma de cuervo. Creemos que nuestras historias están en la tierra. No escribimos cosas en libros, nuestra cultura es una cultura de narración oral y la tierra misma contiene las historias. Nuestro pasado está en nuestras historias, pero también nuestro futuro. No es una cosa separada. En el presente, nuestros antepasados ​​caminan con nosotros, pero la forma en que contamos nuestras historias y lo que compartimos y perpetuamos se convertirá en el futuro al que nos adentramos. Entonces, con las historias, estamos escribiendo nuestro futuro de alguna manera. Es importante ver la historia como algo vivo, no como algo que está atascado en el pasado, sino como algo que se adapta y cambia en función de quién es el narrador y cómo el oyente asimila la historia y luego la avanza.

Usted mencionó durante un panel virtual reciente que, dado que había personas de diferentes naciones indígenas trabajando en este proyecto, se basó en un documento de la Oficina de Pantalla Indígena que ofrece recomendaciones sobre cómo trabajar en las comunidades indígenas. ¿Puedes contarnos más sobre eso?

Los caminos y los protocolos documento fue creado por la Oficina de Pantalla Indígena con la ayuda de ImagineNative y algunos otros socios, creo. Se inspiró en un documento similar que se utilizó en Australia y describe cómo tanto los pueblos indígenas como los no indígenas pueden trabajar de una manera sana y equilibrada con las comunidades indígenas. Lo que me llevé de eso es la idea de consultas y discusiones significativas sobre lo que quiere la comunidad, por lo que no es solo extractivo. No podemos entrar y sacar lo que queremos y sacar provecho de ello. ¿Cómo creamos una infraestructura y una asociación dentro de la comunidad para que haya un diálogo significativo? No quiero apropiarme de la historia de otra persona; Creo que es muy importante que se les pida que participen en la narración. ¿Entonces cómo hacemos eso? Creo que en el fondo se trata de ser inclusivo con esa comunidad, invitarlos al proceso y hacer que sean parte de hacer la historia, crearla, elaborarla desde cero.

En tu documental Indio incómodo, muestra que la generación actual de jóvenes indígenas se centra en recuperar su identidad y abrazar sus tradiciones culturales. ¿Es eso algo que has estado viendo mucho en tus propios círculos sociales?

En el documental, mostramos a la cineasta Alethea Arnaquq-Baril haciéndose tatuajes faciales, y creo que realmente dio en el clavo cuando dijo que hay un trauma intergeneracional en torno a la recuperación de estas prácticas culturales. Es porque a nuestros abuelos los pusieron en escuelas residenciales y los avergonzaron tanto, y la generación intermedia fue [caught] en el trauma de eso, y ahora nuestra generación está haciendo estas cosas, pero es difícil para ellos vernos hacer esas cosas porque se sintieron tan avergonzados por ello. Estoy muy emocionado de que la próxima generación venga detrás de mí porque realmente no tienen la misma vergüenza o responsabilidad con sus padres de esa manera. Pueden entrar sin pedir disculpas y creo que esa es la próxima frontera. Creo que ahí es hacia donde nos dirigimos y eso es realmente emocionante. Hay energía en eso.

Hay muchas discusiones entre creativos de color donde algunas personas dicen que quieren poder contar las historias de su propia gente y comunidades, mientras que otras dicen que no quieren ser encasilladas para contar un tipo de historia. ¿Qué piensas sobre eso?

Me identifico con eso. Creo que para cualquier artista que esté desarrollando su voz, es muy importante escribir sobre lo que sabes y escribir o crear a partir de tu experiencia auténtica. Pero creo que a medida que los artistas crecen, evolucionan y maduran, es realmente importante que puedan expandirse en diferentes direcciones. Cuando pienso en artistas que dicen que no quieren ser encasillados, simplemente no quieren un techo de cristal, no quieren estar atados a una caja. Es bastante frustrante cuando te encuentras con un locutor o alguien que tiene una idea preconcebida de lo que deberías estar haciendo como cineasta indígena. Creo que eso debería dejarlo en manos del artista. Porque la gran creatividad proviene de la curiosidad y la voluntad de asumir riesgos, y creo que, inevitablemente, eso significa salir de uno mismo a veces.



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