Sorana Munsya | Vogue Italia


¿Puedes hablarnos un poco sobre ti?
Estudié psicología en la universidad, por lo que mi carrera comenzó en este sector a pesar de que el arte siempre ha sido parte de mi vida. O porque yo mismo estaba involucrado como artista (bailando, cantando, escribiendo) o simplemente porque estaba rodeado de artistas. Es mas tarde que Desarrollé una pasión por el arte contemporáneo., más concretamente, el arte contemporáneo creado por artistas africanos y negros y se involucró en él. Tenía la fuerte sensación de que el arte era el lugar donde podía pensar y aprender. Puede sonar extraño, pero para mí es bastante natural pensar en el mundo, el mundo negro a través del arte. Los artistas me aportan mucho intelectual y espiritualmente hablando. Así que ahora, mi vida se basa básicamente en mi práctica como psicóloga y en mi práctica de comisariado con un interés particular por los artistas negros y africanos.

Sorana Munsya fotografiada por Malkia Mutiri

© MALKIA

¿Cómo se interesó por primera vez en el arte y la fotografía?
En realidad, que yo recuerde, siempre me ha interesado, intrigado y atraído el arte. Puedo decir que mis padres son muy sensibles al arte y nos dieron a mis hermanos ya mí un cierto sentido de estética y curiosidad. Todos mis hermanos son artistas en realidad. Entonces, como dije antes, el arte me atrapó cuando mi carrera profesional ya había comenzado. Me atrapó de otra manera porque era menos inocente. Realmente fue una manera de expresarme y encontrar un lugar de pertenencia como mujer congoleña que vive en Bélgica y en esta sociedad en general. Vi el arte como una herramienta para la emancipación y como un punto de partida para discutir cuestiones relacionadas con la historia, la sociología, la psicología, la política y otros. Fue cuando el muy añorado Okwui Enwezor fue nombrado curador de la 56ª Bienal de Venecia que tituló “Todos los futuros del mundo” que tomé la decisión consciente de involucrarme más con artistas africanos como curador. En 2017, trabajé para la Bienal de Lubumbashi en la República Democrática del Congo, que inicialmente fue una bienal dedicada a la fotografía. Aunque la identidad de la bienal evolucionó cuando trabajé allí, la fotografía ocupa hasta ahora un lugar importante en este evento artístico. También porque uno de sus fundadores, el artista Sammy Baloji, es él mismo fotógrafo. Puedo decir que mi ojo para la fotografía se agudizó gracias a esa experiencia y a los fotógrafos invitados como Sarah Waiswa, Simon Menner y, por supuesto, Sammy Baloji.

¿En qué medida influye tu formación en psicología en tu trabajo curatorial?

Parte de mi trabajo curatorial se basa principalmente en el diálogo que construyo con los artistas. No hablo de un diálogo con motivo de un hecho o de un estreno, sino de un diálogo que se desarrolla en el tiempo y a su propio ritmo. Incluso diría de una manera bastante orgánica y lenta. No sé si es solo mi formación como psicólogo lo que me empuja a decir eso. Debe haber algo de eso, pero también hay un interés sincero de mi parte en lo que un artista puede aportar en términos de una visión de la sociedad y en lo que puede aportarme intelectual y espiritualmente. Eso no significa que el objetivo sea comprender cada aspecto y diseccionarlo, sino trabajar juntos y nutrirse para mostrar su trabajo de la manera más consistente. Escribí un texto hace unos meses para el catálogo de los encuentros fotográficos de Bamako 2019. Es un texto que titulé “Búsqueda de la totalidad a través del diálogo interior” que describe cómo una imagen puede responder al diálogo interior del artista pero también al diálogo interior de la persona que contempla la imagen. Este diálogo, por supuesto, está influenciado por la experiencia, ya sea individual o colectiva. He aquí un extracto del texto: “La divagación basada en la imagen resultante del diálogo interno rechaza así la idea de imagen como representación: más bien se acerca a la idea de imagen como mundo, como totalidad. Estos dos tipos de divagación, una de lenguaje y otra de imagen, no son excluyentes; pueden complementarse entre sí. De ahí que podamos imaginar que el mundo interior, este flujo de ideas y asociaciones que se hacen entre ellos van acompañados de imágenes, y viceversa. Esto hace que la imagen sea al menos tan significativa como el habla, la escritura o incluso la semántica “. Este breve extracto muestra cómo en mi práctica considero la imagen como una parte integral de mi diálogo con los artistas. Además, en 2019 pasé la mayor parte del año intercambiando con la artista contemporánea y multidisciplinar Pascale Marthine Tayou. Este diálogo tuvo lugar a lo largo de su preparación para su exposición individual en el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Ostende. Fue importante para el comisario de la exposición, Mieke Mels, y para el propio artista convertir el proceso creativo caracterizado por el cuestionamiento y la vacilación en una obra en sí misma y una serie de textos que escribí para su catálogo. Creo que tuvo razón al hacerlo. Realmente disfruté haciendo eso, ya que considero que la conversación y el proceso son tan valiosos como el resultado final. Quizás así es como mi trabajo como psicóloga encuentra su lugar en el campo del arte.

Kriss Munsya – Cortesía del artista

¿Crees que la fotografía es un lenguaje universal?
Francamente, ya no estoy seguro de lo que significa la palabra universal. Esta palabra se ha abusado tanto que parece referirse a una cultura, una forma de acercarse al mundo que oscurece a todas las demás. Si hay una universalidad a la que me adhiero, si hay que llamarla así, es aquella que tiene en cuenta de igual forma todas las culturas y todas las visiones del mundo, por pequeña que sea una minoría. A este respecto, el filósofo y poeta Edouard Glissant me inspira enormemente con su concepto de totalidad. En efecto, su concepto de totalidad no debe confundirse con el concepto de generalidad que tiende a retener y resaltar los elementos más visibles, en todos los sentidos de la palabra, y a ocultar aquellos que, según algunos parámetros, parecen ser menos importante. Más bien, la totalidad es la idea de que todos y cada uno de los elementos de un todo particular tienen un valor constituyente tan importante como cualquier otro. De hecho, todos y cada uno de los elementos, incluso el más mínimo, no deben pasarse por alto y permanecer conectados con el resto. Son todos estos diferentes contenidos constituyentes los que forman el cuerpo de la totalidad. Volviendo a la fotografía, la relación con la imagen, ya sea el creador o el observador, tiene todo un bagaje íntimo, personal, colectivo e incluso político. La imagen a veces llega a jugar un papel; la imagen también se puede manipular. En todo caso detrás de la toma de una imagen siempre hay una intención que indica el lugar y el tiempo en el que uno se posiciona. Pero en cualquier observación e interpretación de una imagen, también está la intervención del contexto. Entonces, diría que no me interesa el concepto de universalidad tal como se usa durante los últimos dos siglos. Sin embargo, lo que merece ser debatido es el valor que se le da a la mirada. ¿Qué tipo de mirada es importante hoy? ¿Qué hacemos con la visión de las mujeres del mundo? ¿La visión africana del mundo? Y, por tanto, ¿a qué tipo de narrativa se le da espacio? Estas son las preguntas que más me interesan.

Michèle Magema – Cortesía del artista

¿Qué hace que una imagen destaque más que otra en tu opinión?
Tengo la tendencia a pensar que una imagen sola no existe. Una imagen interactúa con lo que la rodea. Una imagen informa, provoca emociones, intrigas, preocupaciones … Pero si hace todo esto es porque no basta por sí sola. Completa, transgrede, opone el fluir de imágenes que atraviesa nuestra conciencia y hasta diría nuestro inconsciente. Por eso es importante para mí que el arte, y por tanto también la fotografía, sea el lugar donde se multipliquen las distintas narrativas. Las diferentes narrativas pero también las diferentes estéticas. Tengo un interés particular en la transformación que un artista puede hacer en una imagen. La composición de una nueva imagen mediante collage por ejemplo o la puesta en escena. Son prácticas que en mi opinión ofrecen una especie de libertad al artista para hacer una composición, para contar historias no contadas y para establecer vínculos impensables entre pasado y presente, por ejemplo. El uso de archivos fotográficos en este ejercicio es particularmente interesante.

¿Crees que el arte debería ser político?
Si ser político significa dar una mirada particular al mundo y expresarlo de una forma u otra, yo diría que el arte es necesariamente político. El arte no es neutral ni objetivo. Por tanto, es político. Además, los circuitos del arte, especialmente en África, están vinculados a instituciones extranjeras que están adscritas a agendas políticas. Esto crea un contexto en el que los artistas y operadores culturales navegan en un entorno de financiación y apoyo que espera ciertos resultados. Actualmente estoy trabajando en un proyecto basado en Kinshasa llamado “Laboratoire Kontempo” iniciado por artistas congoleños que aborda esta problemática de la articulación “artistas-instituciones” y su influencia en la creatividad del artista. Más allá del circuito del arte, tengo en mi trabajo curatorial un atractivo particular por el contenido artístico que evoca un posicionamiento en el mundo y por lo tanto puede provocar discusión y debate. El arte en todo su potencial debería poder unir a las personas para crear contenido político. Y por política me refiero al debate y discusión que pueden generar personas sin posiciones de poder político.

Rahima Gambo – Cortesía del artista

© Rahima Gambo

¿Crees que tu trabajo como comisario tiene un significado político?
En mi carrera tomé la decisión de centrarme en artistas africanos en particular, y artistas negros en general, aunque también trabajo con artistas no africanos. Los proyectos en los que participo a menudo se encuentran en África. Me interesa sin dudarlo el destino de la persona negra en el mundo. Entonces sí, claramente mi trabajo como curador está políticamente posicionado al igual que mi trabajo como psicólogo.

¿Qué te motiva a seguir haciendo tu trabajo?

Creo que el arte es una de las actividades humanas más naturales. Así que eso significa que mientras haya vida, habrá arte y motivos para la creación. También creo que es importante recordar que en muchas partes del mundo las crisis, ya sean políticas, económicas, ambientales o sociales, ocurren repetidamente. Incluso en estos lugares se hace arte. Vivimos un período eminentemente desafiante que debe hacernos reflexionar sobre cómo consumimos el arte, cómo lo hacemos circular y cómo lo integramos en nuestras vidas y en el espacio público. Por lo tanto, también puede ser una oportunidad para inspirarse y aprender de aquellos lugares del mundo que, lamentablemente, están en cierto modo por delante de nosotros en la gestión de la vida en tiempos de crisis. Entonces eso es lo que realmente me motiva: la imaginación de lo que viene durante y después de la crisis. La imaginación de lo que nos cura colectiva e individualmente a través del arte.

Sarah Waiswa – Still a Stranger – Cortesía del artista

© Sarah Waiswa

¿Qué es lo más desafiante de tu trabajo? ¿Y el más gratificante?
Creo que el desafío es una especie de recompensa en sí mismo para mí. El desafío alimenta mi imaginación y me cuestiona. Y creo que todos deben estar en esa posición incómoda de vez en cuando. He trabajado mucho en el continente africano para mis proyectos: en el Congo, Senegal y Burkina Faso. El objetivo cuando trabajo allí, mientras vivo en Bélgica, es usar la imaginación y la creatividad para asegurarme de que los proyectos se lleven a cabo y que hablen al público. En Europa también existen desafíos a la hora de defender la creación africana contemporánea. Incluso diría que son más importantes que en otros lugares. De hecho, la mayoría de los países europeos, incluida Bélgica, aún no han asentado su pasado colonial y esto tiene un impacto tanto en las instituciones culturales como en el espacio público. Los artistas africanos, los curadores africanos y los operadores culturales africanos se encuentran, por tanto, en una posición en la que casi la mayor parte del tiempo tienen que luchar por la dignidad africana y negra. Es un ejercicio de cada momento que requiere una conciencia de la historia de la presencia negra y una conciencia descolonial que para mí implica la conciencia de que es necesario imaginar una nueva sociedad con lo que implica para el sector del arte. El debate sobre los estatutos coloniales es un buen ejemplo de ello.

¿Hay alguna obra que recientemente te haya llamado especialmente la atención?
Realmente disfruto las obras de los siguientes artistas: Kriss munsya, Gosette lubondo, Rahima Gambo, Malebona Maphutse, Michele Magema y muchos más.



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